Bruno Arias - Kolla En La Ciudad (2012)

Siempre trato de elegir un disco que no esté de moda, pero que tenga valores perdurables. Por eso elegí "Kolla En La Ciudad", de Bruno Arias. Esta nota fue escrita el año pasado y aunque en este Blog no se escribe sobre política me tomo la libertad de escribir sobre un problema que no solamente no se ha solucionado, sino que ha empeorado. Con el tremendo problema que se suscita en el norte de nuestro país por la detención arbitraria y racista de Milagro Sala vienen otros problemas aparejados para la gente originaria de esas tierras. De hecho esa noticia ya es vieja y cualquier persona bien intencionada puede investigar y ver que las cosas SÍ han empeorado, sobre todo ahora que se ha proscrito a este artista en Jujuy por ponerse del lado de los oprimidos.
Entonces cuando los políticos persiguen a los artistas y los censuran, TODOS los artistas nos sentimos afectados, aunque no compartamos ideologías

No hay nada mejor que escuchar la voz de los poetas y cantores del pueblo para conocer el espíritu de una nación que está siendo sometida a un sufrimiento inmerecido. No solo presento un disco que en sus canciones refleja el sentir de la parte sensible del pueblo de Jujuy en esta reseña sino también a los autores del tema que le da título y a los kollas que he conocido en la ciudad, que tal vez vos también "conozcas".

Listado de temas y autores

 1- Caminantes - Bruno Arias (5:26)

 2- Kolla En La Ciudad - Sergio Castro / Néstro Gea  (5:48)

 3- Jujeñito - Fortunato Ramos / Mario Alvarez Quiroga  (5:10)

 4- Jacha Malku - Sikuri de Escoma  (4:29)

 5- Nuestro Mensaje - Marino Oroza Coliqueo (7:11)

 6- Quebrada De Sol y De Luna - Ricardo Vilca (6:19) 

 7- Roncos Suspiros Del Viento - Dora Gómez / Bruno Arias  (6:11)

 8- Los Airampos - Gerónimo Alvarez Prado / Eliseo Alvarez Prado / Bruno Arias (5:00)

 9- Rompiendo Mi Voz - Bruno Arias  (6:38)

10- Chuschando Sueños - Pucho Ruiz / Bruno Arias  (2:53)

 Musicos que hicieron posible esta obra

Bruno Arias: Voz, erquencho, palmas, guitarra de 12 cuerdas y acústica

Juan José Bravo: Batería y bombo legüero

Agustin Flores Muñoz: Bajo y Voz

Ramon Cordoba: Guitarras (española, eléctrica y doce cuerdas), Charango

Juan Pablo Alvarez: Sikus, Quenas, Quenacho, Chajchas, Huancara, Cascabeles, Toyos, Accesorios y Voz

Hernan Bolleta: Voz

Osvel Costa: Erquencho

Kolla Mercado: Recitado

Eliseo Alvarez Prado: Charango

Nahuel Lopez: Huancara

Pablo Ferrarotti: Huancara

El "Tucu": Percusión

Marino Oroza Coliqueo: Guitarra, Ñorquin, Kultrum y Voz

Pablo Oroza Coliqueo: Voz y Trompe

Vitillo Abalos: Voz, Palmas y Bombo

Adrian Cañavera: Bombo Legüero

Luciano Cañete: Guitarra Base y Palmas

Federico Pecchia: Guitarra Líder

Datos adicionales

Este disco fue grabado en: Fort Music (con la asistencia técnica de Norberto Villagra) y Cerouno Estudio.

Ingenieros de grabación, mezcla y masterización: Jorge "Portugués" Da Silva y Osvel Costa

Edición: Damian Poliak

Diseño Gráfico: Victoria Moraña de Estudio Gum

Fotografia: Eduardo Fisicaro

Kolla en la ciudad

Venderé la última tierrita de colores,
Cansado de ser la diversión para turistas,
Basta de socavones y de cosechas magras,
Junto con la miseria dejo mi Pachamama.

Llegaré a Retiro y cambiaré mi idioma,
Quichua de mis parientes de Iruya y Pozuelos
Seré un inmigrante que no tendrá memoria
A quién puede importarle de donde provengo.

Mudaré mi poncho por ropa ciudadana
Y con tono porteño encontraré trabajo
Seré un albañil, seré un basurero,
Seré una sirvienta sin pucarás ni lanas

Iré desde mi villa al bar de los domingos
Y soplaré mi sikus para saber que existo
Mientras otro paisano chayando todo el sueldo
Recordará su origen al frente de un espejo

La ciudad me duele cuando entona el himno,
Por que en sus estrofas no encuentro a mis hermanos
Los mártires caídos por la tierra y la simiente
Y mis ojos puneños tan indios que no entienden
Cada 12 de octubre que festeja la gente.

Bruno Arias y Juan Carlos Liendro interpretan Kolla en la ciudad, de Néstor Gea y Sergio Castro, en la TV Pública, el 15 de noviembre de 2013.
El drama del que es considerado un extranjero en su propio país.

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (4ª Parte) El Sintetizador Moog

En esta reseña sobre el sintetizador Moog comienzo por lo que había pensado decirte al final. Y hay una buena razón para ello. Así que voy a explicarte que estás viendo un tipo de fuente que nunca he usado en este Blog. Tal vez no la hayas visto en casi ningún lado. Se llama Moogdula. Fue creada por Angeles Moreno (que tuvo la gentileza de enviármela), y usada en la película Moog, de 2004, realizada por Hans Fjellestad, que verás al final de la reseña. (Claro que para leer esta nota con esa letra debieras tenerla instalada. Si no es así no pasa nada, la verás en tipografía predeterminada).

¿Qué por qué he usado esta extraña letra? Pues porque para mi no lo es en absoluto. No solamente no me parece extraña sino muy hermosa y pertinente al tema tratado. Porque justamente responde al tipo de mente que compartían los creadores del Sintetizador Moog, Robert Moog y Herbert Deutsch (en la foto del encabezado). El tipo de pensamiento que originó este Logo como símbolo inconfundible.

Si estás aquí para leer sobre el Sintetizador Moog seguramente compartes algo de esa mentalidad innovadora y te agradará leerla en este formato.
He tenido que dejar toneladas de información afuera de la reseña (con la esperanza de utilizarla en otro momento), pero espero que lo publicado aquí sea de tu agrado.
Para muchos de nosotros esta historia comenzó con un video como este de la BBC, del programa Tomorrow's World.

Memories Of Machines - Warm Winter (2011)

Hace ya varias semanas que vengo escuchando este disco de Memories of Machines. Decidí esperar para reseñarlo porque quería evitar que el efecto inicial influenciara en los comentarios.

Sucedió que estaba investigando las numerosísimas colaboraciones de Robert Fripp en discos de otros artistas y me topé con este. Comienzo a escucharlo sin profundizar en la participación de los diferentes intérpretes intervinientes ni en los datos técnicos. Eso viene inevitablemente después, claro, pero es la mejor manera de escuchar un disco nuevo: sin prejuicios.

Al escucharlo encuentro que Fripp intervino solamente en el tema "Lost And Found In The Digital World" (8), en el que comparte autoría. Nunca deja de ser interesante una intervención de Robert en un disco. Por otro lado el simple hecho de que él intervenga en una obra de otro músico le da un creciente valor. Nunca hace nada sin un propósito valorable.

Así que después de analizar toda la obra (es una manera de decir que disfruté de escucharla incontables veces), no pude menos que buscar otros discos de este dúo. Memories Of Machines es un buen exponente de la Nueva Ola del Neo Progresivo. Pero lamentablemente por otro lado este es el único disco que grabaron como dúo Tim Bowness y Giancarlo Erra. Fue un trabajo que les llevó más de cuatro años completar (Abril de 2006 - Diciembre de 2010), siendo su lanzamiento en Abril de 2011. Lo hicieron en paralelo con sus otros trabajos en sus respectivas bandas, No-Man y Henry Fool (Bowness) y Nosound (Erra). Tienen una amplia discografía, principalmente como integrantes de esas bandas, además de muchas colaboraciones en otros proyectos de excelentes músicos. Se considera que el dúo no está disuelto, acorde al espíritu colaborativo que impera entre esta generación de grandes músicos.

Me han gustado mucho los conceptos de Tim Bowness sobre King Crimson: "No importa en qué tipo de banda he estado, a través de los años King Crimson ha sido una de las pocas constantes amadas de la mayoría de los músicos con los que he trabajado. Los intérpretes que he conocido sea que su formación sea Pop, Punk, Prog, Metal, Folk, Jazz y Clásica han expresado un amor duradero a por lo menos un período de la música de la banda. King Crimson siempre ha mantenido una estética particular en su música, pero los arreglos, la producción y los line-ups instrumentales han variado dramáticamente. Me encantan todos los períodos de la música de la banda, pero los dos que más me atraen son los primeros cuatro álbumes y la trilogía de los años 80. Los primeros cuatro son gloriosamente expansivos y poseen una fragilidad melódica y una intensidad de gruñido que estableció la plantilla para gran parte de lo que siguió. Los contrastes estilísticos de la encarnación de los años 80 son menos pronunciados (el sonido de la banda es puro y notablemente coherente), pero todavía están allí, ya que su enfoque aerodinámico consigue abarcar Minimalismo, Funk, Art Rock, Afro-Beat, No-Wave , Gamelan y mucho, mucho más"

Y para ser justos, antes de seguir con la reseña podemos escuchar el tema en el que interviene Robert Fripp (en una versión no oficial)

Lost and Found in the Digital World 

Arde la Tierra

Les voy a contar la historia de una canción que se titula "Arde la Tierra". Es una historia en la que la magia y la poesía de la vida van cogidas de la mano.

De ella, lo único que su autor me pudo proporcionar fue una grabación casera con muchas imperfecciones, pero aun así, a mi modo de ver, logra transmitir muy bien su mensaje esencial: las múltiples maravillas con las que nos seduce y a veces nos ciega la vida. Su texto procede del poemario de Pino Betancor, "Las Playas Vacías".

Hang Playing Hedge Monkeys - Vesica Piscis (2008)

Presentamos en esta reseña no solo un disco y a los músicos que lo grabaron sino también a su instrumento musical, el Hang. Este instrumento de percusión fue lanzado al mercado en el año 2000 por PANArt, de Suiza.
“Hang Playing Hedge Monkeys” son Daniel Waples y Danny Cudd. Se conocieron en el año 2006 en un festival inglés de música y al instante hicieron amistad y empezaron a tocar juntos el djembé. Poco después, durante la conversación se dieron cuenta que a ambos se los había invitado a Suiza para recoger sus Hangs de PanArt. En ese momento el Hang era muy desconocido y la única manera de comprarlo era viajando hasta la fábrica. Ese invierno llegaron a la India con sus flamantes instrumentos y comenzaron a actuar bajo el nombre “Hang Playing Hedge Monkeys” en Goa. Vesica Piscis fue el único álbum grabado por este dúo. En este demostraron un estilo que continuaría en los años siguientes. El álbum cuenta con composiciones de Daniel y Danny. También tiene gran producción e interpretaciones de su amigo ruso Vaissily Dubov. La combinación de hermosa instrumentación y el ritmo del Hang resulta en un relajante e inspirador viaje. 

Lista de temas

       

1. North East South West 15:17

2. Ant Sandwich 03:34

3. Hang Chill 07:13

4. Sometime 05:21

5. This is Bindi 06:21

6. Come Inside 07:18

7. HangHangDuduk 13:44

Todos estos temas pueden ser escuchados gratuítamente, descargados en formato digital con el sistema de donación o también comprar el CD físico AQUÍ

El siguiente fue el primer video que vi de Daniel Waples y la conexión con el sonido del Hang fue inmediata, arrasadora y mágica. 
Aquí interpreta una versión más dinámica de Ant Sandwich que la que encontramos en el disco.

¿Por qué escribir reseñas musicales en un Blog?

Eso fue exactamente los que me pregunté hace casi un año, cuando un amigo me lo propuso. Hacía mucho tiempo que no sabía nada de él y lo encontré de la manera más inesperada: como autor de reseñas.

Me gusta leer reseñas musicales porque  a veces aprendo cosas de mis artistas preferidos que me muestran que no los conocía tan bien como creía que los conocía. Muchas veces esos conocimientos nuevos lograron que los aprecie mucho más. Pero en algunas ocasiones también aprendí con dolor que algunos de esos artistas excepcionales eran personas despreciables. Realmente no puedo separar la música de los músicos que la crean o interpretan. Siempre la personalidad del artista se mezcla con la música que interpreta dando como resultado lo que escuchamos. Y nos demos cuenta o no, esa personalidad del artista nos influencia para bien o para mal. Es por eso que como se explica en el video documental de la BBC  “Imagine Being a Concert Pianist” ya desde el punto de ser un estudiante avanzado en una escuela como Juilliard  la personalidad del artista hace que la misma pieza interpretada por diferentes personas suene diferente, aunque tengan el mismo maestro y sean tocadas en el mismo piano.
(La idea está expresada a partir del código de tiempo 19:20)

El Chapman Stick: buscando la ejecución perfecta

El Chapman Stick es un instrumento de cuerdas creado en el siglo XX que está adquiriendo popularidad no solamente entre los guitarristas y bajistas, sino en el gusto del público también, que es el complemento necesario para que el músico se sienta estimulado a adquirir el instrumento y perfeccionar su técnica. Es muy usado en el progresivo ecléctico, siendo tal vez su intérprete principal Tony Levin, de King Crimson.

Es muy ilustrativa la nota de Lisset Montes, “Michael Bernier es de los pocos músicos expertos en el Chapman Stick”, que aparece en Noisey, de Mexico. 

De ella transcribo algunas ideas, a continuación del video, en el que vemos a Michael Bernier junto a Richie DeCarlo

(Michael Bernier fue integrante de Stick Men, junto a Tony Levin y Pat Mastelotto).