Pero el tema es que Wendy no
siempre fue Wendy. Por lo menos a los ojos del resto del mundo porque aunque en
su interior ella se considerara Wendy, ella nació como Walter. Si, ese el 14 de
noviembre de 1939 en Pawtucket, Rhode Island, Estados Unidos, Wendy nació
varón.
Así que por mucho tiempo
antes de que yo tomara conocimiento de su cambio de sexo, pudiera haberlo
considerado entre los posibles Padres de la Música Electrónica.
En cambio decidí situarla
apropiadamente y según su elección, como una de las Madres de la Música Electrónica (serie publicada). Y todas las reseñas con este tópico apuntaban a ella, sin dudas. En
este link encontrarás la serie y temas relacionados a lo que estoy contándote sobre ella,
que relatan brevemente su historia y su sufrido camino como pionera en la
música electrónica y en una forma de vida que no siempre es fácil, pero que en
su caso fue excepcional por el bajo perfil que tuvo que adoptar para mantener
el equilibrio emocional y físico.
Como ejemplo de este difícil
camino te cuento que desde su primer disco Wendy fue ninguneada.
Rubén Meriggi, dibujante e historietista argentino, nació el 3 de octubre de 1959.
Comenzó
su carrera de dibujante de comics a los 15 años de edad. Su primer trabajo lo
realizó en marzo de 1976. El mismo consistió en la realización de los lápices
para la serie Argón el Justiciero, escrita por Héctor Germán Oesterheld y Ray Collins
y editada por Editorial Columba.
A
partir de ahí comenzó a dibujar varias series para la misma editorial entre las
que se encontraban Dennis Martin, David Coates y Rodwin de Britania.
Entre
tanto, y para la Editorial Eura (Italia) se hizo tiempo para dibujar la serie
Bull Rocket (escrita por Oesterheld). Pero Columba no dejaría escapar a uno de
sus artistas más prometedores, fue así que le encargaron el arte para la nueva
serie Wolf.
El
dibujante ya estaba afianzado, pero aún seguiría sorprendiendo al público con
otro trabajo realizado para Columba, Crazy Jack. Esta serie fue una de las más
populares de Argentina, seguida por miles de lectores. Con todo este camino
recorrido, el artista realiza cuatro series para la editorial Eura, El Imperio
y los Harapos, Almanzor, Búsqueda y Duende, que también son publicadas en la
Argentina en la Revista Skorpio.
A
todo esto, Editorial Columba lo sigue convocando. Cuatro historias más lo
esperan, Aar, Historias de mañana, Ciborg y Blood Town. Se convierte en uno de
los dibujantes de comics más importantes de Argentina y del mundo, pues la
Editorial Marvel Comics lo recluta para que dibuje a uno de los personajes
épicos más importantes de la historia de los comics de aventuras, Conan El
Bárbaro. Quien se confesara admirador del dibujo de Buscema, tenía ahora en sus
manos la responsabilidad del arte de uno de los personajes que más le gustaban.
Dicen que cuando uno se
enamora no puede ser imparcial.
No se sabe qué es lo que hace
que lleguemos esa situación de enamoramiento.
Simplemente pasa.
Sin dudas la persona que lo
origina tiene cualidades que consideramos imprescindibles para complementar
nuestra vida.
Tengo una alerta Google sobre
Wendy Carlos. Hace años que su vida no es pública. Así que todas las alertas
terminan en ventas de viejos discos y a veces me notifican sobre alguna nota en
la que se la menciona (aclaro que no estoy enamorado de Wendy, pero merced a
investigar, traducir y escribir varias reseñas la conocí un poco).
Entonces por alguna razón
alguien la mencionó en una reseña sobre Happy Rhodes.
Me llegó la alerta y miré la
reseña.
La leí y me gustó.
Así que decidí conseguir algo
de su música.
Al escuchar el primer disco
mi corazón empezó a latir muy fuerte.
Después de escuchar el
segundo disco no pude menos que buscar videos.
Al verla en videos en vivo mi
enamoramiento fue completo.
Entonces como con tan poco
tiempo de conocerla y con tantas emociones que se despiertandisco tras disco, video tras video, pienso
que no puedo ser imparcial en una reseña.
Y que tal vez tampoco le haga
la justicia que se merece una artista del tamaño y la sensibilidad de Happy.
Así que transcribo la reseña
que me guió a ella.
Para ser justo la transcribo
textualmente, sin corregir nada.
Deseo que también te enamores
de ella luego de verla y escucharla.
Zero Set es el único álbum del trío de música electrónica alemán
de Dieter Moebius, Conny Plank y Mani Neumeier.
Siguieron dos colaboraciones de
Moebius & Plank como dúo. Zero Set fue grabado en septiembre de 1982 en el estudio de Conny, (los vemos allí en la foto superior), en las afueras de Colonia, y lanzado por Sky Records en 1983.
La música en Zero Set está fuertemente influenciada por los ritmos y la música
africanos . Una canción, 'Recall', presenta voces sudanesas de Deuka. Matthew
Weiner lo describe para Soulmind Online: 'Aunque no es un disco de danza per
se, Zero Set es una de las primeras extensiones de las posibilidades de
Krautrock en la pista de baile, enfrentando los patrones de secuencias
profundamente electrónicos de Plank y Moebius contra las percusiones
hiperactivas el baterista Mani Neumeier (de Guru Guru). En pistas como el
profético titulado 'Speed Display' y 'Pitch Control', los ritmos de fase, parloteo y
decididamente germánicos que se encuentran en el Zero Set constituyen un
prototécnico vibrante en su máxima expresión ''. David Ross Smith, que escribe
para Allmusic, describe el álbum: '... un asunto muy percusivo con Mani
Neumeier. El álbum está saturado de ritmos y polirritmos de batería y
sintetizador, lo que da como resultado composiciones que son energéticas e
infecciosas'. Zero Set fue un punto de inflexión para Moebius y Plank, un hecho
lamentado por Steven y Alan Freeman en su libro The Crack In The Cosmic Egg.
Dicen, en parte: '... trabajar con Mani Neumeier en Zero Set extrañamente llevó
la música demasiado cerca del techno para la comodidad...'
Anna Valérievna Vínnitskaya (nacida el 4 de agosto de 1983) es una pianista rusa que ganó en 2007 el Concurso de Piano Reina Elisabeth de Bruselas.
Las grabaciones y actuaciones de Anna Vínnitskaya han inspirado numerosas caracterizaciones ornamentadas e imaginativas de críticos de música. Quien presencia uno de sus conciertos queda inevitablemente cautivado por el aura de este artista.
Es una de las pianistas más importantes de nuestro tiempo que cuenta historias con notas, utilizando su variedad de expresiones. Vinnitskaya, nacida en la ciudad rusa de Novorossiysk, ha llamado a Hamburgo su hogar desde 2002. Antigua maestra de Evgeni Koroliov en el conservatorio de Hamburgo, ella misma es profesora allí, es decir, cuando no está de gira por los escenarios del gran mundo musical. Su repertorio se extiende desde Johann Sebastian Bach hasta Sofía Gubaidulina. Su énfasis particular se encuentra en los grandes compositores rusos de piano como Rachmaninov, Prokofiev o Shostakovich, así como en las coloridas obras para piano de Ravel, Debussy y Chopin. En los últimos años, sus lecturas de Brahms y Bartók causaron un gran revuelo, un punto culminante en particular fue la presentación de los tres conciertos para piano de Bartók en una tarde (con Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin bajo Marek Janowski.
Taki Ongoy (en quechua: "La enfermedad del canto" o "del baile") es un álbum editado en el año 1986 por el cantautor argentinoVíctor Heredia. Se trata de una obra conceptual que recuerda al movimiento indígena político y cultural del mismo nombre (también escrito Taki Unquy), surgido en los andes peruanos durante el siglo XVI contra la reciente invasión española. Participaron en esta obra los artístas Juan Carlos Baglietto, Jorge Fandermole y Mercedes Sosa. La obra alterna piezas musicales con narraciones que van describiendo la historia de los pueblos originarios de América desde la época precolombina hasta la actualidad, desde la perspectiva histórica de los indígenas oprimidos en lucha por su identidad y su libertad. En 2016 se cumplen 30 años de la primer edición de esta obra ignorada ex profeso por los medios hegemónicos por el simple hecho de denunciar el genocidio de 56 millones de seres humanos, y que hoy sabemos que fueron 80 millones.
Esta
es la historia de cómo conocí a Janis Joplin.
Y
mientras otros recuerdan su muerte el 4 de octubre yo prefiero recordarla viva,
a través de su música, de sus palabras, de sus fotos y sus videos.
En
mi caso en especial mi contacto con ella fue a través de una foto que salió en
Revista Pelo en forma de poster central.
Tenía
la intención de publicarla aquí pero Blogger es estricto en cuanto a la clase
de contenidos publicados, así que la publiqué en otro Blog en el que no hay
restricciones.
Por
eso si hacés click sobre la foto de Janis con la guitarra podrás acceder al
artículo.
Antes
de entrar tal vez te aparecerá una advertencia de Contenido Adulto y luego de aceptarla
(si sos adulto, claro), si no te deja entrar seguí estas instrucciones.
Uno
de las primeros retratos de Janis Joplin , alrededor de 1962 en Austin, Texas.
(Foto de Marjorie Alette/Michael Ochs Archives/Getty
Images)
Egg
fue una banda de rock progresivo asociada a la Escena de Canterbury. Fundada en
enero de 1969, los miembros fundadores fueron el tecladista Dave Stewart, el
vocalista y bajista Mont Campbell y el baterista Clive Brocks. Al comienzo la
banda llevaba el nombre de Uriel y participaba en ella el guitarrista Steve
Hillage, pero tras la marcha de este el grupo firmó un contrato con el club
"Middle Earth" y decidieron cambiar el nombre a Egg, ya que Uriel
(nombre de un arcángel) sonaba a "orinal". A mediados de 1969 la
banda firmó con el sello Deram, perteneciente a Decca, y lanzó su primer disco,
titulado Egg, en marzo de 1970. En febrero de 1971 publicó su segundo disco,
titulado The Polite Force, con ayuda del productor Neil Slaven. En 1974, la
banda graba un disco titulado The Civil Surface, cuando Dave Stewart ya había firmado
por Virgin para tocar en la banda Hatfield and the North.
La
música del grupo es una mezcla de jazz, clásica, y experimentación, en la que
se destaca la maestría de los teclados de Dave y líneas de bajo desarrolladas por Campbell.
Era
el comienzo del sonido "Canterbury" mezclado con sonidos a lo Keith
Emerson de "The Nice". Los elementos clásicos están muy presentes en
temas como "Fugue in D Minor" o en "SymphonyNº 2", pieza con la que tuvieron
problemas con los derechos de autor. La reedición posterior incluía los dos
temas de su single (“Seven Is A Jolly Good Time” y “You Are All Princes”) y la versión completa
de "Symphony Nº2".
“Hace ya unos años, un
atento policía de civil me enganchó fumando porro en una plaza cerca de
Tribunales. Gracias a este poco amable giro de Fortuna pasé una noche en la
comisaria de ahí cerca (creo que es la 17). Yo tenía puesta una remera con la
cara de Zappa y mientras me pintaban los dedos el agente del orden señaló la
remera y me dijo “Qué capo Zappa, una vez se comió un sorete en un recital”. Le
respondí que eso nunca había pasado y que con razón era policía si le parecía
bien comer mierda.
Ha ha naaa qué le voy a
decir, no le dije nada. Pero el comentario del cana fue real.
Traigo a colación esta
olvidable anécdota porque en “La verdadera historia de Frank Zappa”, una de las
primeras cosas que se ocupa de aclarar es que nunca comió mierda (“lo más cerca
que estuve de hacerlo fue en el buffet del Holiday Inn de Fayetteville,
Carolina del Norte”). Me sorprendió mucho que el mismo Zappa estuviera al tanto
la especie, y que se viera en la necesidad de aclarar su falsedad. Cualquiera que
sepa un poco de qué clase de hombre estamos hablando, también sabrá que tal
acto es por completo incompatible con su persona.”
Ilustra
bastante bien un asunto que se repite sobre la vida de toda persona famosa
(bah, sobre la vida de cualquiera en realidad): se crean toda clase de
historias falsas, se difunden y repiten hasta el cansancio, y desvirtúan los
méritos reales de las personas en cuestión.
Lamentablemente
Internet ha servido a este triste despropósito más eficazmente que al propósito
que teníamos al principio cuando empezamos a surfear en la Red: conocer la
verdad y difundir conocimientos para mejorar al mundo.
Y
al tema de los relatos falsos se agrega el de la difusión de imágenes con
falsa información, como expliqué en un
artículo anterior sobre CynthiaWebster, o directamente imágenes falsas,
creadas con fotomontajes. Por eso al principio pongo una foto que ha circulado
por Pinterest y otras redes sociales, con el añadido de interpretaciones libres
sobre las ideas de Frank Zappa, tanto políticas como filosóficas, todas
tendientes a llevar agua para su propio molino a costa del nombre y fama de
Frank. No voy a refutar esas ideas sobre la opinión de Frank hablando de la TV,
porque tergiversan su manera de pensar sobre un medio al que él supo dar buen
uso. Si quieren conocer su opinión no hay nada mejor que leer el libro citado
al comienzo de esta nota. Por eso pongo la foto con una advertencia visible,
con el ánimo de que se difunda que la foto es realmente un Fake.
Pero
entonces… ¿cuál es el origen de estas imágenes...?
Muchas veces me he preguntado por qué de la amplia discrografía de King Crimson mi preferido es Larks’ Tongues in Aspic. Realmente la respuesta es sencilla... no es que considere que sea su mejor disco. Es por el simple hecho que fue el primero que compré. La primer versión que obtuve fue en vinilo, y no era uno de sus últimos, pero fue el primero que conocí. Siempre son las primeras impresiones las que nos quedan impregnadas más profundamente. Aunque a través de los años comprendamos mejor las cosas, sean buenas o malas, son inolvidables.Cuando fuiste
un adolescente que lo único que tenías para escuchar vinilos era un Winco porque
en esa época reinaba el cassette podían pasarte
muchas cosas, algunas no muy buenas.
No estás consciente de la alta fidelidad, ni tan siquiera de la estereofonía. Así
que vas a lo un amigo que tenía el
equipo de tus sueños (hoy te das cuenta que no era tal, pero era un Audinac,
que para muchos era el sumun) y entre los impresionantes bajos de Wetton notás
en los pianísimos un horrible ruido de fritura.
Claro
que tratás de pasarlo por alto, ignorarlo, y disfrutar de la música en toda su plenitud, pero al
final te queda la inquietud y la bronca que te hayan vendido un disco usado, cosa
totalmente habitual en una disquería del centro. Que si hubiera sido en una de
barrio podrías haber logrado que escuchen tu reclamo, pero en una gran disquería no
importás.
Entonces
un genio de la radio dice que para sacarle el ruido de fritura nada mejor que
ponerle aceite. Claro, hoy sabés que no se puede sacar el ruido porque es
simplemente deterioro, pero la inocencia adolescente, inexperta cae en esa y
cosas peores. Ni que decirte que tomás el consejo que te dan los “expertos” de
un programa de radio como palabra santa, y te pasa como con todo
lo que hace rato proviene de los medios: terminás comiendo carne podrida. Pero
fue una gran enseñanza para un adolescente: que te avives bien temprano en la
vida que los medios de comunicación te engañan y los que “trabajan” en ellos no
merecen el puesto que ocupan.
El
disco quedó como recuerdo. Ninguna limpieza pudo sacarle la mugre que le dejó
el aceite, que la púa levantaba graciosamente en su tránsito por el surco, al
tratar de escucharlo en el Winco. Y naturalmente olvidarse de llevarlo a lo de
tu amigo para escucharlo de vuelta, para no quedar como un tonto que lo único que iba a lograr era arruinarle la púa del “equipo de tus/sus
sueños.”
Hasta
aquí la anécdota juvenil y ahora la reseña de esta edición. Mientras la leemos podemos escuchar Larks' Tongues in
Aspic Part I en la versión que nos ofrece DGM Live en Youtube.
Todo
comenzó cuando mi amigo El Canario publicó la foto que encabeza este artículo y
dijo que era Delia Derbyshire.
Mi
primera duda fue que en la época en que Delia trabajó con sintetizadores
modulares era mayor que esta niña que aparenta tener no más de veinte años.
Además, mirándola bien, no es Delia.
Hice
una serie de artículos dedicados a las mujeres en la música electrónica (Buscando a la Madre de la Música Electrónica) y uno de los que más me gustó fue el
dedicado a Delia Derbyshire. Escuché toda su discografía disponible y miré
varias veces sus videos y algo aprendí sobre ella.
Así
que me puse a buscar y encontré otras falsas Delias hasta que alguien la tituló
como Suzanne Ciani. Pero tampoco me parecía que fuera ella. Miré algunas
entrevistas y nada que ver con esta niña.
Y
es que la fuente de cualquier búsqueda Google de imágenes se basa en Pinterest.
Creo que esa red social, como cualquier otra se ha arruinado por la mala
información que se clona y difunde como un virus.
A
lo único que me aproximé después de dos horas de leer diferentes cosas fue a un
título que decía: “1978: JUST A PHOTO OF A YOUNG WOMAN WITH A MODULAR SYNTH” (en
preservationsound.com).
En
esa nota que dejé para el día siguiente (porque era muyyy tarde ya), se
barajaban varios nombres, pero sobre todo se discutía sobre qué clase de sintetizador
sería.
Ahí
surgió el nombre de Cinthya Webster y la investigación me llevó a una nota de Peter Kirn de la que copio
lo siguiente:
“La
gente demasiado comúnmente imagina que la música electrónica está dominada por
hombres en su totalidad, cuando simplemente no es el caso. Mientras que el
mundo de la música electrónica está fuertemente inclinado hacia el lado
masculino, parte del problema es que las mujeres a menudo reciben menos
atención, menos crédito, menos relaciones públicas y una difusión menos
generalizada de su música. En otras palabras, los oyentes son parciales.
Y
sí, entre los diversos nombres está la propia Cynthia Webster (en la foto)
de Cyndustries. Todo comenzó con
la compra de un ARP 2600 en la escuela secundaria, dice ella. Las
mujeres en síntesis no son solo una rareza ocasional: verán algunos de los
nombres más importantes en la evolución de la música electrónica. La música que
usa electricidad simplemente no sería lo que es hoy sin sus pioneras a menudo
olvidadas.
Tienes
algunas mujeres pioneras que te gustaría señalar. . . Escríbenos. Por cierto,
como referencia, diría que fácilmente el 50% o más de mis propios colegas son
mujeres en arte interactivo y música electrónica por igual. . . y noto que casi
la mitad de las personas que se registran aquí en MDL. ¿Desequilibrio de
género? No necesariamente.”
Así
que Cynthia fabrica sintetizadores. Pero lo que encontré después realmente me
sorprendió.
Cuando
murió Syd Barrett, fundador y líder de Pink Floyd, el 7 de julio del año 2006 ,
su hermana se encontró con que en la cuenta de Roger -su verdadero nombre-
había algo más de dos millones de euros. Una cuenta inmaculada que durante años
y años había engordado por el dinero que entraba periódicamente procedente de
los derechos de autor y venta de discos de Pink Floyd. Dave Gilmour siempre se
preocupó de que le ingresaran el dinero.
Oficialmente,
Barrett había muerto a causa de un cáncer de páncreas, aunque la diabetes había
sido su gran padecimiento durante sus últimos ocho años. Desde mucho antes,
desde que lo echaron de Pink Floyd, de su propio grupo, en abril de 1968,
estaba marcado por la esquizofrenia, provocada por su adicción al LSD, a lo que
se sumaba un desorden bipolar y un espectro de autismo. El 'caso Barrett' es
uno de los más estudiados en el mundo de la esquizofrenia.
Syd
Barrett vivía como un ermitaño en su ciudad, en Cambridge. Se movía en
bicicleta, con una especie de cesta, tal como describía en su genial y
surrealista tema 'Bike'. Al final, parece que intentaba escribir un libro. Esa
era la vida de un genio que se volvió loco. Así de simple. El fundador de Pink
Floyd, el creador de obras maestras absolutas como 'Arnold Layne', 'See Emily
play' e 'Interstellar overdrive'.
Barrett
también inventó el sonido de Pink Floyd y el nombre, tomado como una broma
surrealista, basado en los nombres de dos músicos de blues no muy conocidos:
Pink Anderson y Floyd Council. Syd fue tan vanguardista y revolucionario que
aún está por conocer quién será el genio que pueda superarlo en su propia
astronomía de la esquizofrenia.
Tal vez en el mismo momento
en que estés leyendo esto Rick Wakeman esté deleitando con su melódico y
potente piano a los hermanos chilenos, actuando con orquesta sinfónica y coro
con Guy Protheroe dirigiéndolos (6 de Julio a las 21 hrs. en Movistar
Arena de Santiago de Chile).
Habíamos decidido no escribir
una reseña sobre su segunda presencia en Argentina en 2018 porque, si leíste las reseñas anteriores
habrás notado nuestro fastidio sobre el excesivo precio de la reventa de
entradas para verlo en el Teatro Colón el
2 de Marzo y la inexistente propaganda de la actuación sorpresa el día anterior en el
Gran Rex.
Habitualmente Rick se
presenta en el Gran Rex y parecía extraño que no lo hiciera en esa ocasión.
Todo fue manejado para que las entradas más baratas (u$s 15.-) en el quinto
piso del Colón, de pie, se revendieran a diez veces su valor. Lo más triste es
que algunos hicieron alarde de haber pagado ese precio de estafa, burlándose de
aquellos que no alcanzaron a acceder por falta de posibilidades económicas. (La
situación económica en la Argentina se deteriora cada vez más). Hasta pareciera
que la reventa hubiera sido posibilitada por los organizadores, pero, claro, es
solamente una sospecha y no tenemos prueba de ello.
Y cuando pongo la
responsabilidad sobre los organizadores dejo fuera de todo este turbio asunto a
Rick, ya que él simplemente pone su precio y los que lo traen hacen su propio negocio.
Sin embargo mencionaremos
aquí la presentación el 7 de julio a las 21 horas en el Teatro Gran Rivadavia porque
tiene precios accesibles.
Hace ya más de un año y medio que escribí esta reseña, en ocasión de la presentación de este disco en Niceto y parece mentira que poco y nada haya cambiado para bien en la situación de este artista y las personas por las que él pone el cuero. Y cuando digo pone el cuero me refiero a que defiende sin miedo sus convicciones y las sostiene con sus hechos. No había publicado en este Blog nada con contenido político ni lo haré, porque no es el estilo por aquí. Así que la transcripción de esta reseña original la realizo con esta esta advetencia: cada cual se hace responsable de lo que escribe. Esto debe ser tomado como un marco para el tema de un disco, para que se comprenda su sentido. Me gusta mucho el disco "Kolla en la ciudad" (2012), de Bruno Arias. Llevo semanas pensando escribir una entrada sobre ese disco. Entonces, investigando, veo este otro, más nuevo, que no escuché tanto, y decido por su actualidad (aunque no escribo sobre cosas de moda), y porque justo esta noche hace una presentación en Niceto, dejar "Kolla" para otro momento. Así que el tema es "El derecho de vivir en Paz". Hablo de actualidad porque en un momento en el que muchos artistas le cantan solo al paisaje y al amor necesitamos algo así, testimonial, que nos ayude a pensar en lo que pasa, por qué pasa y cómo pasa por nosotros. Me interesaba sobre todo investigar cómo un artista jujeño encara el tema de Milagro Sala, detenida ilegalmente por el gobierno jujeño, así que al final de la reseña dedicaré un pensamiento a ese tema.
Artista: Bruno Arias
Álbum:El Derecho de Vivir en Paz Año: 2015 Género: Música de raíces folclóricas Duración: 43:39 Nacionalidad: Argentino
Lista de Temas:
1.PACHAMAMA 02:41 2.MARTA JUANA GONZALEZ 02:47 3.HUANCAR 03:56 4.EL DERECHO DE VIVIR EN PAZ 04:06 5.MARINA VILTE - EL OTRO CARNAVAL 05:52 6.FLORCITAY 05:51 7.ALGARROBO 05:04 8.AVE DE LUZ 03:39 9.SINGANI CONGANI 05:05 10.SOL DE LOS ANDES 04:38
(el siguiente tema solamente en Bandcamp) 11.EL CANTO DEL TERO TERO 05:28
Alineación:
Bruno Arias: Guitarras y Voz Martin Herrera: Charango y Voz Juan Carlos Liendro: Flauta traversa Juan Pablo Alvarez: Toyos samples Joaquin Medrano: Vientos andinos Luis Salamanca: Vientos andinos Juan Acosta: Guitarra eléctrica y Voz Alejandro Salamanca: Batería, bombo legüero y Percusión Leo Villagra: Bajo Javier Lozano: Piano y keyboards Adrian Rengifo: Violín Fernando Argento: Guitarra 12 cuerdas, Cajas copleras y Coros Alejandro Salamanca: Cajas copleras Federico Toledo: Coros Lucho Cardozo: Coros Maria de los Angeles Salguero: Coros Antonio Olarte: Coros Javi Caminos: Coros Joaquin Storni: Coros Delfor Nieva: Coros Mauricio Flores: Coros
Hernan Verdini: Coros
"Jacha Mallku" del álbum Madre Tierra
Bruno Arias se presentó en Junin en el marco del Festival AcercArte el día 9 de octubre del año 2016
Hace un tiempo
alguien sugirió que publicáramos efemérides musicales.
Y como
además publicamos, en menor medida, temas relacionados con otras Bellas Artes,
que publicáramos efemérides sobre Arte en general.
Hemos
hecho algunas publicaciones (y lo seguiremos haciendo), pero no lo haremos como
algo central, habitual, sino como algo casual, según nos parezca que valga la
pena hablar sobre algún evento especial en la vida de un artista, y
naturalmente, NO sobre todos los artistas que se nos crucen o se hayan cruzado
en la vida de nuestros amigos.
La
definición de qué proceder tomar llegó en el momento de buscar una efeméride
para el 4 de Junio.
Primero
hallamos que hay infinidad de páginas con efemérides. Algunas excelentes y
otras horribles.
Lo
que nos parece excelente en una reseña-efeméride es que sea breve, cuente un
hecho específico en la vida de alguien y no se convierta en una biografía
enciclopédica.
Lo
que nos parece malo es que tenga la misma importancia el nacimiento de Johann
Sebastian Bach que el hecho que un fulano que canta haya caído preso hace 17 años por
estar borracho o drogado, a menos que ese hecho haya sido un hito tal en la
vida de esa persona que haya cambiado su forma de vivir o su arte, y sobre todo
la manera de tratar con sus semejantes. Y ni así…
A
través de algunas páginas se puede aprender sobre músicos injustamente
olvidados y en otras aprendemos a olvidar a gente que escuchamos muchas veces,
que creíamos conocer pero que realmente no merecían invadir nuestro espacio
como lo hicieron.
Y
eso es producto ni más ni menos de que la publicidad nos lavó, o más bien,
nos ensució el cerebro. Lamentablemente eso pasó en nuestra adolescencia, que
es el tiempo en el que somos más receptivos y se moldean nuestra mente y
nuestros sentimientos.
Volviendo
al caso concreto del 4 de Junio: nos pasó que caímos por la belleza.
En
la foto del encabezado vemos a Michelle Phillips.
Siendo
el cumpleaños quisimos recordar quién era y nos agradó saber que era integrante
de “The Mamas & the Papas”, famoso y casi mitológico
grupo estadounidense. Y decidimos disfrutar de un video con su tema más famoso,
y con eso acompañar el comentario pertinente.
Parece
un disparate, pero la historia de Fats Waller y Scarface ha pasado a ser una de
las historias del Jazz más locas hasta la fecha.
¿Podés imaginarte un secuestro a punta de pistola convirtiéndose en una fiesta
divertida en la que terminás con dinero en efectivo en el bolsillo? Bueno, eso
es exactamente lo que le sucedió a Fats Waller, de 21 años, en 1926. Después de
dejar una actuación en Chicago, los secuaces del famoso mafioso Al Capone
levantaron a Fats a punta de pistola afuera del lugar. Exigieron que ingrese a
su limusina.
Los secuaces luego llevaron a Fats Waller a un club exclusivo en East Cicero, donde se
celebraba una fiesta de cumpleaños. Luego exigieron que Fats tocara música para
la fiesta, lo cual hizo. Al rato Fats notó entre la audiencia una cara con cicatrices
infames aplaudiendo con todas sus fuerzas. Era Al Capone.
Aunque
muchos lo conocen (o creen conocerlo), haremos una presentación formal estilo
Wikipedia y a medida que pase el tiempo enriqueceremos nuestro conocimiento de este genio con algunos detalles.
Frank
Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un
compositor, guitarrista, cantante, productor discográfico y director de cine
estadounidense. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock,
jazz, blues, electrónica, música artística y música concreta, entre otros.
También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de
álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de sesenta álbumes que
grabó con The Mothers of Invention y en solitario.
En
su adolescencia adquirió gusto por compositores de avant-garde basada en la
percusión como Edgard Varèse, y la música rhythm and blues de los años 50.
Comenzó a escribir música artística en la escuela secundaria, mientras tocaba
la batería en algunas bandas de rhythm and blues, instrumento que después
cambió por la guitarra eléctrica. Era un compositor y músico autodidacta, y por
su diversidad de gustos musicales llegó a crear música a veces imposible de
clasificar. Su álbum debut de 1966 con la banda The Mothers of Invention, Freak
Out!, combinaba canciones de rock convencionales con improvisaciones imposibles
y sonidos generados en el estudio de grabación. Sus álbumes posteriores eran
una mezcla de música experimental y ecléctica, independientemente de que fueran
de rock, jazz o música artística. Escribía las letras de todos sus temas,
frecuentemente humorísticas. Fue crítico con lo políticamente correcto y con la
religión y fue un gran defensor de la libertad de expresión y de la abolición
de la censura.
Zappa
fue un artista muy prolífico y recibió grandes críticas positivas. Muchos de
sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es
reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su
tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo
algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista
independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de
forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un
premio Grammy a toda una carrera en 1997.
Zappa
estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman desde 1960 a 1964,
repitiendo nupcias en 1967 con Gail Sloatman, con quien permaneció hasta su
muerte por cáncer de próstata en 1993. Tuvieron cuatro hijos: Moon Unit,
Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. Gail Zappa coordinó
hasta su fallecimiento en 2015 los negocios familiares bajo el nombre de Zappa
Family Trust. Aquí encontrarás su discografía oficial.
Esa es
la tapa del disco "Little Dots", de Frank Zappa, lanzado en 2016.
Es una de las tantas ediciones que se lanzaron después de su muerte. Creo que se está haciendo un excelente trabajo de difusión sobre su
inagotable producción, totalmente necesario para conocerlo en profundidad y
disfrutar de su arte.
Un
21 de mayo de 1904 nace en New York el legendario Thomas Wright Waller, más
conocido como "Fats" Waller. Nacido en el barrio de Harlem (Nueva
York), Fats fue hijo de un pastor bautista del que aprendió a tocar el órgano y
el piano. Sus inicios musicales -como los de muchos de los grandes artistas
afroamericanos- se desarrollaron tocando en la orquesta de su escuela y
acompañando al piano los espirituales del coro de su madre el domingo en la
iglesia. Llegó a ser uno de los más grandes pianistas de la historia del Swing y del Stride Piano.
John Robert Cocker, más conocido como Joe Cocker (Sheffield, Inglaterra, 20 de mayo de 1944 - Crawford, Colorado, Estados Unidos, 22 de diciembre de 2014), fue un cantante y músico de rock, blues y soul británico. Conocido por su voz áspera y por el gran sentimiento que ponía en sus interpretaciones, Cocker centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas, particularmente de The Beatles. Al respecto, su versión de la canción «With a Little Help from My Friends» alcanzó el número uno en la lista UK Singles Chart en 1968 y fue utilizada como tema principal de la serie de televisión The Wonder Years. En el video una versión subtitulada en inglés y castellano
Un antiguo buque
en el quefuncionaba una radio pirata se
ha convertido en el más nuevo club de Amsterdam.
Originalmente
sede de la estación de radio pirata 'Radio Verónica' en los años 60 y 70, el
barco utilizado para la transmisión independiente de la estación se ha
convertido recientemente en el más nuevo club de Amsterdam y su nombre es Noorderschip.
Ya
en 1973, el barco perdió su ancla en una tormenta y eventualmente llevó al
gobierno de Holanda a cerrar la popular transmisión ilegal de radio. Luego del
cierre de la estación de radio, el barco fue utilizado como discoteca itinerante
y fue a varios lugares alrededor del mundo a fines de los '70. El Noorderschip
de 50 metros de largo se encuentra fuera del muelle NDSM en Amsterdam Norte. El
barco remodelado tendrá tres niveles (incluyendo una terraza) y una capacidad
de 300. La pista de baile bajo el nivel del mar y el club está equipado con un sistema
de sonido Funktion-One.
Para
los que están acostumbrados a la fase puramente electrónica de la música de
Tangerine Dream resulta un poco extraño escuchar la obra de esta banda con una
formación en la que predomina lo acústico. Tal es lo que escuchamos en el discoMadcap's Flaming Duty (2007). Instrumentos
típicos del folclore irlandés y
la música celta,
como el bouzouki,
el bodhrán o
la gaita fueron
incluidos en la grabación, junto a la guitarra acústica,
la guitarra dobro o
la armónica, infrecuentes
en el sonido de Tangerine Dream. Incluye además un vocalista, Chris Hausl en
este caso, detalle que no es nuevo en la historia de Tangerine Dream, pero es
poco usual. Otra cosa inusual es que las letras de las canciones están basadas
en poemas de Sir Phillip Sidney, Dante G. Rossetti, William Blake, Edmund C.
Stedman, Thomas Stanley, Walt Whitman, George Herbert, Percy B. Shelley, Ralph
Waldo Emerson y Robert Southwell.
Teclados,
Tambores, Tambores de acero , Guitarra, Contrabajo
Christian Hausl
Voz, Guitarra
Thomas Beator
Bouzouki [irlandés]
Gynt Beator
Bouzouki [irlandés], Bodhrán
La
edición actual contiene un CD y un DVD.
Sobre
el disco en sí haré la próxima reseña, pero en esta comentaremos la canción
Lake of Pontchartrain. Lo que me impulsó a tocar este tema por separado es que
me parece particularmente bella. Y además porque hay una hermosa historia
detrás. De esas que cada vez apreciamos menos, pero que tanta falta nos hacen.
¿Es Internet una maldición en mi vida? ¿No era acaso una bendición que venía a llenar mi existencia? No termino de convencerme de cuál de estas afirmaciones es la verdad.
Tal vez lo sean ambas. Seguramente sean una u otra cosa, según mi fuerza de voluntad para impedir que me influencien negativamente y en cambio usarlas como instrumentos educativos.
Y no estoy hablando de ninguna red social en particular. Las redes sociales son herramientas pasajeras al servicio del poder real, y no útiles a nuestro servicio como quieren que las veamos. Twitter aprovecha el escándalo de Facebook y Cambridge Analytica, y llama a borrarse de la red de Mark Zuckerberg. Como si Twitter tuviera la fuerza moral de la Wikipedia para hacer tal llamamiento, cuando en realidad es simplemente un loro repetidor de chismes y gritón en vez de un canario cantor.
El asunto es que me pongo a leer en un Blog que
cada vez tiene menos de Música y más de política (mi error caer allí), una nota
en la que veo a Charly García. No soy fanático de Charly pero me interesa
conocer sus obras nuevas. Después de todo influenció mi adolescencia y todavía recuerdo
con agrado la primera vez que vi a Sui Generis por TV, en un programa de Leo
Rivas (las primeras veces son inolvidables, sean buenas o malas). Pero en ese blog no
se reseñaba ninguna obra musical de él sino una controversia que tuvo con
integrantes del gobierno actual de Argentina.
